SmoothJazz.ClubKeiko Matsui ha sido una de las artistas más emblemáticas del smooth jazz desde sus inicios. Ha sido un placer poder poner su música en la radio y pensamos que sería un buen momento para sentarnos con ella y reflexionar sobre su éxito, su longevidad y sus proyectos actuales.
Tienes un enfoque muy personal a la hora de componer música. Cuéntales a nuestros lectores cómo es ese proceso.
A la hora de componer, dedico un tiempo especial a cada álbum. Siempre creo que hay melodías destinadas a nacer específicamente para ese álbum, por lo que no incluyo ninguna pieza que haya quedado sin grabar de trabajos anteriores. En lugar de eso, escribo música completamente nueva.
Este proceso no ocurre cuando estoy de gira. Ocurre durante los días tranquilos en los que no estoy viajando, sentada sola frente al piano. Ni siquiera toco, simplemente me siento y espero que la música llegue a mí.
La inspiración suele surgir de la belleza de la naturaleza o de las emociones que experimento en el momento. Incluso hay momentos en los que una melodía me visita en un sueño. Cuando escucho estos sonidos, los escribo en papel a mano. De esta manera, recopilo más de 100 motivos musicales en cada álbum. A partir de ahí, los selecciono hasta las 12 mejores piezas. A veces, solo escucho el motivo, mientras que otras veces, se me revela una melodía completa. Este es el proceso por el que paso en cada álbum: es un momento místico, como una búsqueda para encontrar mi yo interior y recibir motivos del silencio.
Tu último álbum, “Euphoria”, es una hermosa obra de arte. Cuéntanos en qué te inspiraste para este proyecto.
Comencé a crear este álbum durante un momento de gran prueba para la humanidad: la pandemia. Fue un período que me hizo reflexionar profundamente sobre muchas cosas: lo que está sucediendo en este planeta, los errores que los humanos seguimos repitiendo, la historia, los recuerdos de mis giras, así como la esperanza y la determinación.
De esas reflexiones nació la inspiración para estos 12 tracks.
Después de dos años de pandemia, finalmente pudimos grabar en el estudio, cara a cara, escuchando y respondiendo las notas de cada uno en tiempo real. Por eso, el álbum está lleno de nuestra alegría y amor.
La canción principal, “EUPHORIA”, refleja mis pensamientos más sinceros. Siento que estamos entrando en una nueva era. De cara al futuro, es importante que cada uno de nosotros se centre en su propia felicidad y, al mismo tiempo, recuerde ser considerado y compasivo con los demás. Si todos avanzamos con amor y coraje, creo sinceramente que las cosas avanzarán en una dirección positiva. Esta canción captura esas emociones y aspiraciones.
Ha sido un gran viaje con este álbum y estoy muy agradecida de poder compartir mi música en conciertos. El LP de vinilo se lanzó en noviembre pasado y estoy agradecida por el apoyo de mis fans.
Tienes algunos artistas invitados increíbles en Euphoria. Cuéntanos sobre algunas de esas colaboraciones.
En el proceso de seleccionar cuidadosamente las 12 pistas para este álbum, mi coproductor Bud Harner y yo discutimos y decidimos quiénes serían los mejores artistas invitados para cada
canción.
Ya había trabajado con Randy Brecker como invitado en presentaciones en vivo, pero siempre había querido contar con él en el álbum. Cuando surgió la canción perfecta para él, “Neo”, lo invité a ser parte de ella. Ofreció una interpretación increíble y un diálogo con mi piano durante las sesiones de doblaje en Nueva York.
Luego, hay otra pista. Después de una serie de álbumes instrumentales, esta fue la primera vez en mucho tiempo que capté un motivo vocal. Tan pronto como lo escuché, inmediatamente pensé en ella: Lalah Hathaway. Con esa imagen en mente, completé la melodía de «Love and Nothing Less». Ella entregó una letra hermosa y profundamente conmovedora y una interpretación sobresaliente. La armónica de Grégoire Maret agregó un toque hermosamente conmovedor y melancólico, lo que la hizo perfecta para esta pista.
Kirk Whalum, un compañero artista y querido amigo con quien comparto una profunda conexión musical y espiritual, también se unió a mí una vez más en este álbum para una canción llamada «Luminescence».
Además, Mike Stern, un guitarrista con un estilo y sonido únicos, y Joel Ross, un vibrafonista, ofrecieron actuaciones excepcionales.
A lo largo de los años has tenido la oportunidad de trabajar con algunos artistas icónicos.
A lo largo de mi carrera ha habido muchos momentos memorables. Desde que lancé mi primer álbum en Estados Unidos en 1987, he tenido el privilegio de colaborar con artistas increíbles. En mis comienzos, todavía no podía encabezar mis propias giras de conciertos, pero en 1988 tuve la oportunidad especial de actuar como telonera de Miles Davis y George Benson. Fue una experiencia inolvidable. Más tarde, también tuve el honor de actuar en el mismo escenario que Harry Belafonte y Al Jarreau.
Uno de mis momentos más preciados fue cuando estuve en el Hollywood Bowl, durante un festival de jazz, donde compartí escenario con Fourplay y Grover Washington Jr. También fue la primera vez que conocí a Bob James en persona. Cuando lo visité entre bastidores, lo primero que me dijo fue: “Me encanta tu música”. Fue un momento muy feliz e inesperado para mí, porque Bob había sido uno de mis héroes durante mis días de estudiante.
Poco después, cuando regresé a Japón, encontré un paquete de FedEx esperándome. Dentro había partituras para una composición original para piano a cuatro manos y un CD de demostración. ¡Bob me estaba invitando a colaborar en su álbum! (Otro invitado en ese álbum fue Joe Sample, a quien también admiro). Más tarde grabamos juntos en Nueva York y nos embarcamos en una gira especial de piano acústico en Japón, con algunas actuaciones también en los EE. UU. Durante ese tiempo, Joe me dio un aliento invaluable. Me dijo: «Eres como si tuvieras una fuerza a prueba de balas porque, en lugar de confiar en frases de jazz comunes, compones cada momento. ¡Es por eso que eres tan fuerte! ¡Todo es posible!» Sus palabras me dieron mucho coraje y me ayudaron a descubrir mi propia individualidad como artista.
A principios de los años 90, tuve la oportunidad de participar en una gira de estrellas junto a Chaka Khan, Philip Bailey, Gerald Albright, Hugh Masekela y Dan Siegel. Interpretamos las canciones de cada uno y creamos recuerdos inolvidables. Más tarde, invité a Hugh a que me acompañara en una gira por Japón, lo que fue otra experiencia maravillosa.
Otro momento destacado fue la invitación a actuar en el Día Internacional del Jazz en Estambul, un evento especial organizado por la ONU y Herbie Hancock. Esa noche, tuve el honor de compartir el escenario con leyendas como George Duke y Hugh Masekela, a quienes extrañamos profundamente, Vinnie Colaiuta, Marcus Miller, James Genus y muchos otros artistas legendarios bajo la dirección musical de John Beasley.
Una de mis primeras experiencias importantes con orquesta fue en el Constitution Hall de Washington, DC, tocando con la Banda de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos. Ese concierto marcó el comienzo de un viaje en el que las colaboraciones con orquesta se convirtieron en una parte importante de mi repertorio, incluidas las giras por Europa.
También he tenido la suerte de colaborar con queridos amigos y compañeros artistas como Dave Koz. Me invitó a unirme a su gira navideña, que recorrió más de 20 ciudades, así como a su crucero con 2000 fans. Siempre fue increíble y lleno de experiencias divertidas. Otra colaboración especial fue con Kirk Whalum, que me brindó muchos momentos inspiradores.
La primera canción tuya que sonóen la radio fue “Mediterranean Sand”, allá por finales de los 80’s. La melodía sigue siendo muy popular hoy en día como una de las que ayudaron a dar forma al “Smooth Jazz” o sonido del jazz contemporáneo. Al reflexionar sobre esa melodía, ¿cómo te sientes hoy, tantos años después…?
Mi primer álbum, A Drop of Water, se publicó en 1987 y en él se incluía la canción “Mediterranean Sand”. Nunca olvidaré el momento en que escuché mi música por primera vez en la radio: fue una experiencia fantástica. También me alegra saber que muchas canciones de mis álbumes anteriores todavía suenan en la radio.
Para mí, la melodía es muy importante a la hora de crear música. Además del piano acústico, el saxofón y la guitarra acústica siempre han sido mis instrumentos favoritos para expresar mis melodías. Con el tiempo, de alguna manera, esta instrumentación y música instrumental melodiosa se hizo popular como smooth jazz. Me sorprende ver a tantos saxofonistas y guitarristas prosperando en este género, especialmente en los últimos años.
En los años 80 y principios de los 90 no existía la categoría denominada “smooth jazz”. Mi álbum apareció en la lista Billboard Contemporary Jazz, junto a artistas como Sting, Sade, Patti Austin, Earth, Wind & Fire, Chaka Khan, Miles Davis, Santana, Kenny G, etc. Mirando hacia atrás, realmente siento que fue una época extraordinaria, que demostró que la música no tiene fronteras.
En aquella época, cuando actuaba en festivales de jazz, había una gran variedad de artistas de distintos géneros musicales. Por ejemplo, cuando actué en el Festival de Jazz de Pori en Finlandia en los años 90, compartí el escenario con Boz Scaggs y Jamiroquai frente a un público de más de 20.000 personas. Fue una experiencia muy especial.
Además, tu tema “Safari” con Paul Taylor es otro de los pilares de la historia de nuestro género. Cuéntanos sobre tu recorrido con este tema. ¿Te has reunido con Paul para tocarlo en vivo a lo largo de los años?
La canción Safari forma parte de mi séptimo álbum, publicado en 1995. Creo que fue el año anterior, mientras actuaba en el Catalina Island Jazz Trax Festival, cuando escuché a Paul Taylor tocar en otro día. Su actuación me llamó la atención y le pedí que se uniera a mi gira.
Poco después, probablemente ese mismo año, se convirtió en miembro de mi banda de gira. Cuando esta canción cobró vida, sentí que su tono y estilo de interpretación únicos encajaban a la perfección y ofreció una interpretación increíble. Safari se convirtió en uno de los mayores éxitos de mi carrera.
Después empezó su carrera como artista discográfico, pero aun así, cuando tengo un concierto en Las Vegas, donde vive, de vez en cuando se me une en el escenario como invitado sorpresa si no está de gira. Además, hemos colaborado en esta canción en otros festivales. Siempre es un placer interpretarla juntos. Es un clásico en mi historia musical.
He leído sobre sus numerosas iniciativas humanitarias. ¿Podría compartir algunos puntos destacados y la importancia de esta labor en su vida?
A lo largo de mi carrera, he tenido el honor de participar en varios proyectos benéficos importantes. El primero en el que participé fue una campaña de concienciación sobre el cáncer de mama.
Creé un miniálbum que incluía información sobre la importancia de la detección temprana y recursos sobre dónde acudir. Dediqué mi gira a apoyar esta causa.
Otro proyecto importante fue el del Programa de Donación de Médula Ósea. Como yo mismo pertenezco a una minoría, me contactaron porque había una necesidad urgente de más donantes pertenecientes a minorías. Realicé conferencias de prensa y concienticé durante mis conciertos sobre la importancia de la donación de médula ósea. También me registré como donante y, para mi sorpresa, uno de mis fans de Japón también se registró, encontró un donante compatible y, desde entonces, ha donado médula ósea dos veces para salvar vidas. Estoy profundamente conmovido y agradecido por su coraje y desinterés.
Además, las Naciones Unidas me contactaron para el proyecto de ayuda a África con el PMA. Dediqué la canción principal de uno de mis álbumes a esta causa, y las ganancias se destinarán a las iniciativas de ayuda a África.
Más recientemente, he comenzado a centrarme en el trabajo de beneficencia para niños. En 2014, visité Perú por primera vez como parte de esta iniciativa. El organizador que facilitó mi visita creía que mi música transmitía un mensaje de esperanza y luz. Pensaban que llevar esa esperanza a los niños y comunidades desfavorecidos a través de la música podría ayudar a evitar que se vuelquen hacia caminos negativos e inspirar un cambio positivo. Con el apoyo de la Embajada de Japón y otros, realicé conciertos benéficos, colaboré con grupos musicales locales y pasé tiempo con madres y niños en espacios comunitarios, compartiendo música y conversaciones.
La segunda fase de este proyecto se llevó a cabo el año pasado en Paraguay, donde actué con una orquesta. También visité una escuela de música que fabrica instrumentos a partir de materiales reciclados para niños que viven en situación de pobreza y pasé tiempo aprendiendo sobre los desafíos que enfrentan estas comunidades.
Espero continuar con este trabajo en favor de los niños y tengo previsto visitar Brasil en 2025. Creo que esto es importante porque soy mujer, madre y alguien con la suerte de viajar por el mundo a través de mi música. Siento un profundo sentido de gratitud y la responsabilidad de retribuir. Cuando pienso en cómo puedo contribuir, siempre recurro a la música como mi forma de marcar la diferencia. Siempre que me invitan a participar en este tipo de causas, considero cuidadosamente el propósito y el impacto. Si puedo conectar directamente a través de la música para marcar una diferencia significativa, me comprometo con el trabajo de todo corazón.
¿Qué consejo le darías a los jóvenes que quieran seguir una carrera en la música?
Según mi experiencia, la música nos conecta verdaderamente más allá de las diferencias: nacionalidad, religión, cultura, idioma. Creo que los músicos tienen un papel importante en la creación de más armonía en este planeta. Espero que los nuevos artistas puedan centrarse en este propósito, más allá del negocio del entretenimiento.
Además, en esta era de avances tecnológicos, donde cualquiera puede crear música en casa e incluso la IA puede componer, es más importante que nunca que los creadores expresen su individualidad, sus emociones humanas y su alma, algo que resuene profundamente en los corazones de las personas.